Поп арт что это такое


ПОП-АРТ — ИСКУССТВО МАССОВОЙ КУЛЬТУРЫ

Поп-арт — это искусство массовой культуры. Это движение в визуальном искусстве, характеризующееся чувством оптимизма во время послевоенного потребительского бума в 1950-60х годах. Оно совпало с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры, олицетворенной Элвисом и Битлз. Для всего художественного истеблишмента поп-арт был дерзким, молодежным, забавным и — враждебным. Он объединял разнообразные стили живописи и скульптуры из различных стран общим интересом к СМИ, массовому производству и массовой культуре.

БРИТАНСКИЙ ПОП-АРТ

Впервые слово «поп» было использовано в 1954 году британским художественным критиком Лоуренсом Эллоуэем, для обозначения нового типа искусства, вдохновленного образами и изображениями массовой культуры. Эллоуэй, вместе с художниками Ричардом Гамильтоном и Эдуардо Паолоцци, был одним из основателей Независимой Группы — объединения художников, архитекторов и писателей, которые в 1952-1955 годах на своих собраниях в Институте современных искусств (ICA) в Лондоне исследовали радикальные подходы к современной визуальной культуре. Они стали предшественниками британского поп-арта. На первом собрании Паолоцци представил визуальную лекцию под названием «Bunk» (сокращенное «bunkum», т.е. абсурд, нонсенс, бессмыслица), в которой в ироническом свете представил американский образ жизни. Лекция сопровождалась иллюстрациями в виде коллажей, созданных из фотографий из американских журналов, которые он получал от членов Независимой группы в конце 1940-х, проживая в Париже. В работе «Я была игрушкой богатого человека» ('I was a Rich Man's Plaything'), впервые присутствует слово «поп».

Некоторые молодые художники 1950-х, выросшие в условиях лишений военного времени с его продовольственными карточками и жесткой экономией, смотрели на чарующие образы американской популярной культуры и присущий ей потребительский образ жизни с романтическим чувством иронии и легкой завистью. В их воображении Америка представала страной, свободной от классовых предрассудков и искажений, способных подавить предусмотренное развитие культуры: всеохватывающей молодой культуры, включающей в себя социальное воздействие СМИ и массового производства. Направление поп-арт стало для них способом выражения в поиске нового и языком, основанном на коллажах и композициях дадаизма. Дадаисты создавали иррациональные сочетания случайных образов, чтобы спровоцировать реакцию представителей правящих кругов. Британские приверженцы поп-арта применяли аналогичный визуальный прием, однако их внимание было сосредоточено на популярных образах массовой культуры как вызове влиятельным лицам.

Коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» ('Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?') по сути является полным перечнем изображений поп-арта: комиксы, газеты, реклама, автомобили, продукты питания, упаковка, бытовая техника, знаменитости, секс, космический век, телевидение и кино. Черно-белая версия этого коллажа была использована в качестве обложки для каталога выставки 'This Is Tomorrow' в Галерее Уайтчепел в 1956 году. Это шоу ознаменовало расширение понимания того, что такое культура, и вдохновило новое поколение британских художников: Эдуардо Паолоцци, Питера Блейка, Дэвида Хокни, Аллена Джонса, Джо Тилсона, Дерека Бошьера, Ричарда Смита и Рона Б. Китай.

АМЕРИКАНСКИЙ ПОП-АРТ

Путь развития направления поп-арт в Америке несколько отличался от британского. В Америке поп-арт стал одновременно и фактором развития, и реакцией на абстрактный экспрессионизм. Абстрактный экспрессионизм был первым движением в американском искусстве, заслужившим мировое признание, но в середине 1950-х многим он стало казаться слишком интроспективным и элитарным. Формирование американского поп-арта стало своего рода попыткой обратить эту тенденцию путем возврата к представлению образа как основы построения композиции в живописи, предполагавшего возвращение искусства от малопонятных абстракций к реальной жизни. Эта модель уже испытывалась и опробовалась раньше: что-то подобное сорока годами ранее предпринимал Пикассо, создавая коллажи из напечатанных снимков «реального мира» в своих натюрмортах, в опасениях, что его картины становились слишком абстрактными. Примерно в 1955 году два выдающихся художника заложили фундамент моста, соединявшего абстрактный экспрессионизм и поп-арт. Этими художниками были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, предшественники американского поп-арта.

Ранние произведения Джаспера Джонса ставят под сомнение то, как мы смотрим, воспринимаем и создаем искусство. В своих работах он не различает субъект и объект, — и если уж на то пошло, то жизнь и искусство тоже. В его глазах они одно и то же. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на представление и иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.

Как и предшественники британского поп-арта, на Джонса повлияли дадаисты, в частности реди-мэйды («найденные объекты») Марселя Дюшана, чьи сушилки для бутылок и велосипедные колеса ранее оспорили само определение предмета искусства.

Предметами картин для Джонса стали не «найденные объекты», а «найденные изображения» — флаги, мишени, буквы и цифры — и именно эта иконография знакомых знаков стала «поп». Он видел их как «предварительно сформированные, традиционные, обезличенные, фактические наружные элементы».

ПОП-КОЛЛАЖ И МУЛЬТИМЕДИА

Роберт Раушенберг в своих работах тоже использовал «найденные изображения», но, в отличие от изображений Джонса, они были скомбинированы по взаимосвязям друг с другом и с реальными объектами. Работу обоих этих художников часто называют нео-дадаизмом, так как они опирались на «найденные элементы», впервые использованные дадаистами Марселем Дюшаном и Куртом Швиттерсом.

Вдохновленный Швиттерсом, создававшим коллажи из подобранного на улице мусора, Раушенберг сочетал реальные объекты, которые он находил около своего нью-йоркского жилья, с коллажами и живописью. Он говорил: «У меня было правило. Если я обошел квартал и не нашел достаточно вещей для работы, я могу обойти еще один в любом направлении – но на этом всё». Раушенберг считал, что «картина больше походит на реальность, если она сделана из реальности.»

Коллаж был естественным языком Раушенберга, и он расширил его словарный запас, разработав метод комбинирования масляной живописи с фотографической шелкографией. Это позволило ему экспериментировать с собранными из газет, журналов, телевидения и кино изображениями, которые он мог воспроизвести в любом размере и цвете в качестве композиционной элемента на холсте или печати. Он использовал эти элементы, чтобы отобразить наше восприятие СМИ. Каждый день из телевизоров, газет и журналов нас бомбардируют многочисленными изображениями, на большинство из которых мы не обращаем внимания, но запоминаем некоторые – те, что сознательно или подсознательно связаны с нашим индивидуальным опытом и пониманием. Картины Раушенберга захватывают этот визуальный «шум» в рамках образов, предлагающих что-то вроде иронической аллегории.

УОРХОЛ – ОТ ЗНАМЕНИТОСТЕЙ ДО БАНОК С СУПОМ

Если бы существовал художник, олицетворяющий собой поп-арт, это был бы Энди Уорхол. Первоначально он работал в качестве «коммерческого художника», получая темы из образов массовой культуры: рекламы, комиксов, газет, телевидения и кино.

Уорхол закрепил дух американской популярной культуры и повысил ее образы до статуса музейного искусства. Он использовал второсортные фотографии знаменитостей и потребительских товаров, которые, как он считал, имели подлинную банальность, делающую их гораздо интереснее. Он чувствовал, что через массовое воздействие они лишались смысла и эмоционального присутствия. Всегда подрывающий ценности художественного истеблишмента, Уорхол был очарован этой банальностью, что выразилось в серии картин, сюжетами которых было что угодно, начиная с знаменитостей и заканчивая банками супа. Не важно, был ли это «Кэмпбелл — луковый суп с говядиной» или «Авария серебряной машины», портрет «Элизабет Тейлор» или «Электрический стул», индивидуальный подход Уорхола всегда был тем же: «Понимаете, я думаю, все картины должны быть одного размера и одного цвета, чтобы они были взаимозаменяемы, и никто не думал, что у него картина лучше или хуже.» Уорхол видел эту эстетику массового производства как отражение современной американской культуры: «Что хорошего в Америке, так это традиция, что самые богатые покупают те же вещи, что и самые бедные. Ты смотришь телевизор и видишь Кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет Кока-колу, Лиз Тейлор пьет Кока-колу, и, только подумай, – ты тоже можешь пить Кока-колу. Кока-кола есть Кока-кола, и ни за какие деньги ты не купишь Кока-колы лучше, чем та, которую пьет бродяга на углу. Все Кока-колы одинаковы, и все они хороши. Лиз Тейлор это знает, президент это знает, и ты это знаешь.»

Как кубизм стоит на плечах Сезанна, так искусство Уорхола зависимо от реди-мэйдов Дюшана. По духу будучи на самом деле дадаистом, он был так называемым «agent provocateur». Его многочисленно причудливые прокламации об искусстве были намеренно загадочными и противоречивыми, избегающими разъяснений и заставляющими его аудиторию размышлять о смысле: «Я предпочитаю оставаться загадкой. Не люблю описывать свое прошлое, и каждый раз, когда меня об этом просят, я рассказываю новую историю.» Уклонение от вопросов было для Уорхола стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал собственный имидж как неотделимую от искусства бизнес-модель: «Я начинал как коммерческий художник и хочу закончить как бизнес-художник. Успех в бизнесе – самый притягательный вид искусства.»

ПОП-АРТ И КОМИКСЫ

Рой Лихтенштейн разработал стиль поп-арта, основанный на визуальном жаргоне массовой коммуникации: комиксе. Стиль был зафиксирован в своем формате: черные контуры, смелые цвета и заменяющие оттенки точки «бендей» (метод печати, использовавшийся в комиксах в 50-60х годах). Что на самом деле изменилось во время развития искусства Лихтенштейна – это тема, эволюционировавшая от комиксов к исследованиям модернистских художественных течений: кубизма, футуризма, ар-деко, «де стейл», сюрреализма и абстрактного импрессионизма.

В ранних работах Роя Лихтенштейна видно влияние Американа – как он сам выразился, это был «экспрессионистский кубизм… ковбоев и индейцев» – но они по-прежнему основывались на художественных конвенциях, которые его учили уважать. Утомленный избытком Экспрессионистского чувства, которое в то время было повсюду, Лихтенштейн атаковал эту традицию картинами вроде «Смотри, Микки» (1961) - крупномасштабного мультяшного изображения, которое «было сделано из обертки от жвачки» (деталь этой работы можно увидеть в работе «Мастерская художника № 1», 1973). Его комиксы первоначально вызвали шок, но, как и большинство «поп», были быстро приняты галереями и коллекционерами. Лихтенштейн заметил: «Было трудно создать картину, достаточно жалкую, чтобы никто не повесил ее на стену… все вешали все подряд. Было почти приемлемо повесить капающую краской тряпку, к этому все уже привыкли. Единственное, что любой ненавидел – коммерческое искусство, но, видимо, и это никто не ненавидел достаточно.»

СКУЛЬПТУРА ПОП-АРТА

Клас Олденбург тяготел к скульптуре больше, чем любой из его современников. В начале 60-х он участвовал в различных «Хэппенингах»: спонтанных, импровизированных художественных событиях, где опыт участников был важнее конечного продукта – своего рода встречи потребительского искусства для потребительской культуры.

Работы Олденбурга полны иронии и юмористических противоречий: он создавал твердые предметы вроде ванны из мягкого, провисающего винила и мягкие предметы вроде чизбургера из сильно закрашенной штукатурки. Он также ниспровергал относительный размер предметов, как например ложка и вишенка, воссоздавая их в архитектурном масштабе: «Мне нравится брать предмет и полностью лишать его его изначальной функции.» Изменяя вид, масштаб и функции объекта, Олденбург опровергает его значение и заставляет зрителя переоценивать его присутствие.

ПОДВЕДЕМ ИТОГИ

• Поп-арт был дерзким, молодым и забавным направлением в искусстве 60-х годов

• Поп-арт совпал с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры

• Поп-арт объединял различные стили живописи и скульптуры, но все представители имели общий интерес к СМИ, массовому производству и массовой культуре.

• Несмотря на то, что поп-арт зародился в Британии, это, по сути, американское движение

• На поп-арт сильно повлияли идеи дадаизма

• В Америке поп-арт был реакцией против абстрактного экспрессионизма

• Искусство Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга рассматривается как переходный мост между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом

• Наиболее олицетворяющим поп-арт художником считается Энди Уорхол

• Картины Уорхола с изображениями Мэрилин Монро являются самыми известными символами поп-арта

• Рой Лихтенштейн разработал мгновенно узнаваемый стиль поп-арта, вдохновленный американскими комиксами

• Величайшим скульптором направления был Клас Ольденбург, создавший много крупномасштабных работ паблик-арта

Источник: ARTYFACTORY, перевод мой :)

pikabu.ru

Поп-арт - история возникновения стиля, особенности, фотографии, примеры проектов с фото

Яркие цвета и повторяющиеся образы - это поп-арт

Popular art – в переводе с английского «популярное искусство», а слово pop означает ещё и «резкий хлопок». Поэтому термин «поп-арт» имеет двойное значение: «искусство в массы» и нечто шокирующее. Такое сочетание было вполне в духе своего времени – как стиль, поп-арт оформился в Америке в 50-60-е годы XX-го века.

Поп-арт – это своеобразный протест против абстрактного искусства, безликого минимализма, пресного конструктивизма, ставших популярными ранее. Прародителями поп-арта стали художники-иллюстраторы, комиксисты, мультипликаторы, фотографы и рекламщики. Сменился контекст, масштабы изображений, цвет и способы отображения. Производственные дефекты: неравномерное распределение красок, типографское зерно, ошибки цвета при печати стали непременным атрибутом нового стиля. На первый план вышла техника отображения, смысл отошёл на второй.

Поп-арт поменял местами внешнее и внутреннее.

Энди Уорхол

Стиль поп-арт не содержит заумных концептуальных идей, он адресован к обывателю, к народным массам в той же степени, как адресованы к ним средства массовой информации. Недаром расцвет поп-арта совпал с повсеместным распространением телевидения, глянцевых журналов и началом эпохи массового потребления. Глянцевость и гламур – ещё одна неотъемлемая черта этого стиля. Часто в интерьерах поп-арт используются гладкие глянцевые поверхности.

Узнаваемые картинки с обложек периодических изданий, фото знаковых мировых событий и звёзд экрана, популярные герои кино, мультфильмов и телешоу – всё это образы поп-арта. При этом они как будто воспроизводятся на печатном станке или сходят с конвейера – картинки тиражируются и располагаются в один ряд, детали орнамента образуют полотно из разноцветных повторяющихся элементов. Эти рисунки и элементы орнамента часто расположены на плитке, крепящейся на стену. Конечно же, используются большие постеры и картины.

Классическим произведением, «иконой» поп-арта является шелкография Энди Уорхола «Диптих Мэрилин», включающая 50 изображений Мэрилин Монро со знаменитой фотографии актрисы 1953 года. Элементы этой и других работ художника часто встречаются в интерьерах поп-арт.

Материалы, используемые в поп-арте – крашеный металл, стекло, текстиль, дерматин и, конечно же, разноцветный пластик – получивший широкое распространение именно в 60-е годы. Массовое производство из пластмассы, как нового материала, пресса, телевидение, американские небоскрёбы в сочетании с неоновыми огнями реклам, противостояние мировых держав и, конечно же, покорение космоса и научная фантастика – вот что вдохновляло первопроходцев этого стиля! Неудивительно, что деревянная мебель в поп-арте встречается редко. Пластик, стекло, гладкие обтекаемые формы, минимум деталей, максимум цвета – вот что такое настоящий поп-арт.

Поп-арт невероятно пёстр и ярок, умудряется сочетать несочетаемое и часто балансирует на грани безвкусицы и вульгарности, но никогда эту грань не переступает. В самой противоречивости поп-арта есть изюминка, она всегда неожиданно уместна. Поп-арт – стиль, который способен удивлять. Он моментально захватывает зрителя, цепляет его внимание. Знакомые образы притягивают взгляд, приводят в лёгкое замешательство, завораживают. Насыщенные цвета и необычные формы наполняют пространство энергией, а повторяющиеся элементы дизайна задают ритм современной жизни.

Однако не следует думать, что поп-арт – это непременно что-то «кричащее», навязчивое и раздражающее, вроде пресловутой «попсы» или рекламы по телевизору. Интерьер поп-арт может быть выполнен в достаточно спокойных, пастельных тонах, при этом нисколько не изменяя традициям стиля.

Поп-арт позволяет дать волю воображению, непрерывно экспериментируя. Каждый интерьер в стиле поп-арт – неповторимая авторская работа. Поп-арт – стиль демократичный, в нём светильники в стиле минимализм или хай-тек могут соседствовать с мебелью в стиле арт-нуво или арт-деко. И наоборот. Но, поскольку решающее значение имеют цвет и форма, дизайнеру необходимо позаботиться о правильном их сочетании.

designbd.ru

Поп-арт

Поп-арт — художественное движение, зародившееся в середине 1950-х годов в Великобритании, но наиболее широкое распространение получившее в США. Поп-арт стал дерзким вызовом традиционной живописи, поскольку в нем делалась ставка на изображения из массовой культуры, включая рекламу, комиксы, обыденные предметы и новости. Кроме прочего, появление поп-арта в США стало реакцией на серьезность и беспредметность абстрактного экспрессионизма. Новое поколение художников желало вернуться к предметной живописи, при этом внеся в свои работы некоторую несерьезность, иронию и приправить все это внушительной порцией китча. После того, как Америка окончательно пришла в себя после Второй мировой войны, в стране начался мощнейший экономический подъем, что, в сочетании с прогрессом в области технологий и средств массовой информации, породило так называемую «культуру потребления». Культуру людей со стабильным высоким доходом и большим количеством свободного времени. Промышленность, расширившаяся и укрепившаяся за годы войны, теперь начала забрасывать массового потребителя самыми разнообразными продуктами, начиная от лаков для волос и стиральных машин, и заканчивая блестящими новенькими кабриолетами, которые, если верить рекламе, были материальным воплощением счастья. Существенной поддержкой для культуры потребления стало развитие телевидения и новые тенденции в печатной рекламе, где акцент стал делаться на графических изображениях и узнаваемых логотипах — брендах, которые сейчас в нашем визуально насыщенном мире воспринимаются как нечто, само собой разумеющееся.

Неслучайно поп-арт появился в Америке именно в это время. Следуя духу времени, новые художники презрели все стандарты современной американской живописи, опиравшиеся на абстракции как отображение универсальных истин и глубоких личных переживаний.

В отличие от процветающей Америки, Великобритания, где зародился поп-арт, тяжело переживала послевоенные годы. Можно сказать, что поп-арт обязан своим появлением завистливым взглядам через океан: на американскую массовую культуру, на идеализированные журнальные картинки беззаботной жизни общества потребления. Первыми к этим образам обратились художники из «Независимой группы», основанной в начале 1952 года. Они сформулировали и начали распространять большинство базовых идей британского поп-арта. Ведущими представителями «Независимой группы» были Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон МакХейл, сэр Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл. Считается, что первым определение «поп-арт» использовал художественный критик Лоуренс Аллоуэй, который тоже был членом «Независимой группы».

Одной из самых знаковых работ британского поп-арта считается знаменитый Ричарда Гамильтона под затейливым названием «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», созданный для важнейшей выставки «Независимой группы». Выставка «Это — завтра», прошедшая в Галерее Уайтчепел в Лондоне, стала отражением всепоглощающего интереса художников к массовой культуре. Как писал Аллоуэй, «…кино, научная фантастика, реклама, поп-музыка. Мы не испытываем к массовой культуре неприязни, распространенной среди интеллектуалов. Напротив, мы принимаем ее как факт, детально обсуждаем и с энтузиазмом потребляем».

Многие искусствоведы считают, что корни поп-арта уходят гораздо глубже, чем принято считать. По их мнению, поп-арт является прямым потомком дадаизма, нигилистического художественного движения 20-х годов, которое высмеивало серьезность тогдашнего парижского искусства и, в более общем смысле, — политическую и культурную ситуацию, которая привела к войне в Европе. Марсель Дюшан, первопроходец дадаизма в Соединенных Штатах, который пытался сократить дистанцию между искусством и реальной жизнью, увековечивая продукты массового производства, был одной и самых влиятельных фигур в эволюции американского поп-арта. Другими фигурами, повлиявшими на развитие поп-арта, считаются художники Стюарт Дэвис, Джерард Мерфи и Фернан Леже, которые изображали в своих работах предметы массового производства. Непосредственными первопроходцами поп-арта стали Джаспер Джонс, Ларри Риверс и Роберт Раушенберг, американские художники, которые в 50-х рисовали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, но делали это в живописной выразительной манере. — стилизованные репродукции комиксов Роя Лихтенштейна с использованием цветных точек и плоскостей, заполненных одним цветом;

— буквально «вырезанные» из реальности картины и шелкографии Энди Уорхола с изображениями банок супа, коробок с мылом и бутылок «Кока-колы»;

— скульптуры Класа Олденбурга, увековечившие такие обыденные вещи, как сантехника, печатные машинки и гамбургеры;

— серия «Великие американские обнаженные» Тома Вессельмана, плоские и откровенные изображения безликих секс-символов;

— гипсовые человеческие фигуры Джорджа Сигала, перенесенные на улицы города или помещенные в привычное многим окружение, к примеру, автобус, найденный на свалке.

1. Создавая картины и скульптуры, изображающие объекты массовой культуры и медиа-звезд, представители поп-арта стремились размыть границы между «высокой» и «низкой» культурой. Одной из важнейших характеристик поп-арта является концепция того, что в культуре не существует никакой иерархии, а искусство может питаться из любого источника.

2. Можно было бы сказать, что абстрактные экспрессионисты в своей работе опирались на душевные травмы, в то время как представители поп-арта искали выражение тех же травм в опосредованном мире рекламы, комиксов и поп-культуры в целом. Однако более точным было бы предположение, что поп-художники первыми поняли, что в принципе не существует непосредственного доступа к чему бы то ни было, будь то человеческая душа, природный мир или любая искусственная среда. Они верили, что все в мире взаимосвязано, и пытались воплотить эти связи в своих работах.

3. Несмотря на то, что поп-арт включает в себя широкий спектр работ, созданных под влиянием очень разных взглядов и позиций, большую часть из них характеризует некоторая эмоциональная отстраненность. В отличие от «горячей» экспрессии, свойственной предыдущему поколению, поп-арт отличает «прохладная» двойственность. Предметом долгих споров был вопрос о том, является ли это следствием принятия художниками поп-культуры, или же наоборот — ее отвержения.

4. На первый взгляд, представители поп-арта с энтузиазмом относились к новой поствоенной Америке с ее промышленным и медийным расцветом. Некоторые критики считали выбор поп-художниками тем для работы следствием восторженного одобрения капиталистического рынка и наводнивших его разнообразных товаров. В то же время другие искусствоведы считали превращение художниками повседневности в высокое искусство своего рода культурной критикой: создавая арт-объект на основе обыденного продукта массовой индустрии, они тем самым подчеркивали тенденцию превращения произведений искусства в товары.

5. Большинство представителей поп-арта начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером. Дизайнером же работал и Эд Рушей, а Джеймс Розенквист начинал с разрисовывания биллбордов. Благодаря этим первым шагам в искусстве художники получили мощное подспорье для дальнейшей работы, своего рода визуальный словарь массовой культуры, и приемы, позволявшие объединять сферы высокого искусства и поп-культуры.

Блам! Для этой работы Лихтенштейн позаимствовал часть комикса Расса Хита под названием «All American Man of War» (№ 89). Картина Лихтенштейна не является точной копией рисунка Хита, однако на первый взгляд их легко спутать, поскольку изменения, внесенные художником в изначальное изображение, почти незаметны. Обращаясь за сюжетами к популярным комиксам, Лихтенштейн посвятил свою карьеру исследованию границ между «высоким» и «низким» искусством, раз за разом поднимая вопросы о природе культуры и оригинальности, но при этом не давая никаких окончательных ответов. Как и в случае с большинством представителей поп-арта, невозможно с полной уверенностью утверждать, являлись ли работы Лихтенштейна безусловным одобрением комиксов и массовой культуры в целом, или же критикой этой культуры. Решение в этом случае остается за зрителем. «BLAM», как и другие похожие работы Лихтенштейна, выполнены в точечной технике «Бен-Дэй», позаимствованной, опять-таки, из комиксов.При создании иконической серии Энди Уорхола с банками супа никогда не предполагалось привлечь внимание к форме или композиции этих работ, в отличие от картин абстрактных экспрессионистов. Значимыми полотна Уорхола делает выбор универсального и узнаваемого образа (вроде банок с супом, Микки Мауса или лица Мэрилин Монро) и изображение его в качестве массового продукта, но в контексте изобразительного искусства. В этом смысле Уорхол не просто делает акцент на популярных образах, а скорее указывает на то, как эти образы в наше время воспринимаются людьми: к ним относятся, как к узнаваемому с первого взгляда товару, который продается и покупается. Эта серия относится к ранним живописным работам художника, однако уже совсем скоро он переключился на шелкотрафаретную печать, считая, что изображения поп-культуры нужно производить механическим способом. Сто холстов с изображениями банок супа, созданные Уорхолом для первой персональной выставки в Галерее Ферус в Лос-Анджелесе, позволили ему почти мгновенно занять высокое место в мире американской живописи и навсегда изменить лицо современного искусства.Олденбург — один из немногих скульпторов, работавших в стиле поп-арт, известный своими шутливо-абсурдными работами, посвященными еде и неодушевленным предметам. Коллекция работ под общим названием «Витрина с пирожными» впервые была выставлена в знаменитой инсталляции скульптора «Магазин», устроенной в Нижнем Ист-Сайде. Для этого проекта Олденбург создал несколько гипсовых скульптурных объектов, включая клубничное пирожное и яблоко в карамели. Инсталляция была оформлена как типичная американская лавка, в которой можно купить не только продукты, но и различные товары для повседневных нужд. Скульптор дополнил ее рекламными плакатами и продавал свои работы по низким ценам, таким образом превращая арт-объекты в товары. Несмотря на то, что они были проданы, как любые продукты массового производства, каждый из этих уникальных предметов был проработан с особой тщательностью. Покрывая свои работы краской, Олденбург использовал густые, выразительные мазки, как глумливую отсылку к серьезности абстрактного экспрессионизма. В ироничной манере скульптор объединял энергичность экспрессионизма с продуктами массового потребления.Художник, печатник и фотограф Эд Рушей был одним из важнейших представителей поп-арта на западном побережье США, который смешивал голливудские образы с красочными изображениями массовой культуры и юго-западными ландшафтами. Заправки были излюбленным мотивом в творчестве Рушея, он даже посвятил им книгу под названием «Двадцать шесть заправочных станций», сборник фотографий из путешествия художника по сельской местности американского Юго-Запада. В «Стандартной станции» художник трансформирует банальное изображение заправки в символ американской культуры потребления. С помощью шелкотрафаретной печати Рушей сводит перспективу изображения к единственному плану, делая его похожим на рекламные плакаты. «Стандартная станция», кроме прочего, является еще и одним из первых экспериментов художника с языком и игрой слов, которые выйдут на первый план в более поздних его работах.Огромное полотно размером почти 2,5×2,5 метра было написано Хокни с фотографии, которую он увидел в буклете-инструкции к бассейну. Художник был заинтригован идеей переноса на холст мимолетного события, застывшего на фотографии. Он говорил: «Мне понравилась мысль нарисовать нечто, что длится две секунды. Чтобы запечатлеть эти две секунды, мне понадобилось две недели». Динамизм всплеска резко контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, бортика бассейна, пальм и трамплина, аккуратно размещенных в сетку, которая обрамляет всплеск. Это придает картине совершенно осознанно созданный художником эффект расчлененности и бессвязности, ставший одним из отличительных особенностей стиля Хокни. Кроме того, типичным для изображений в стиле поп-арт является эффект стилизации и искусственности. В своих ранних работах Джаспер Джонс поднимал вопросы о том, как мы видим искусство, как воспринимаем и создаем его. Он не разграничивает субъекта и объект, искусство и жизнь. С его точки зрения это одно и то же. Джонс считал, что каждую картину нужно воспринимать не как отображение реального мира или иллюстрацию, а как объект с его собственной реальностью.

Как и первопроходцы британского поп-арта, Джонс вдохновлялся идеями дадаизма, в частности «готовыми вещами» (найденными объектами) Марселя Дюшана, который бросал вызов традиционному определению арт-объекта своими писсуарами и велосипедными колесами. Однако Джонс, в отличие от Дюшана, выбирал для сюжетов своих работ не «найденные объекты», а «найденные изображения» — флаги, вывески, буквы и цифры. Это была новая иконография узнаваемых знаков, к которой обращались многие представители поп-арта.

Джаспер Джонс создавал свои работы в технике энкаустики, в которой связующим веществом для красок является расплавленный воск. Он комбинировал энкаустику с коллажами из газетных вырезок, создавая неоднородное пространство ярких цветов. Его увлечение общим единством плоскости на картине уходит корнями через к творчеству Сезанна и Шардена. Творчество Джонса заключается в игре с визуальными идеями, в его картинах можно различить несколько смысловых слоев, которые обращаются к зрителю на разных уровнях восприятия. Это искусство об искусстве и о том, как мы к нему относимся.

Роберт Раушенберг тоже использовал в своих работах «Найденные изображения», но в отличие от картин Джаспера Джонса, они объединены общими элементами друг с другом или с реальными объектами. Обоих художников часто причисляют к нео-дадаистам.

Вдохновляясь творчеством Курта Швиттерса, который создавал свои коллажи из мусора, найденного на улицах, Раушенберг стал компоновать собственные живописно-коллажные работы из реальных объектов, которые он собирал на улицах Нью-Йорка. Художник говорил: «У меня было правило: если я обошел квартал и не нашел достаточно материала, с которым я мог бы работать, я расширял поле поиска на еще один квартал и шел в любом направлении». Он называл свои мультимедийные сборки «объединениями» (combines) и считал, что они должны выглядеть «как минимум такими же интересными, как что угодно, происходящее за окном».

Раушенберг выбрал коллажи в качестве собственного творческого языка общения, изобретя новый способ их производства — комбинирование масляной живописи с фотографической шелкографией. Это позволяло ему экспериментировать с любыми изображениями, позаимствованными из газет, журналов, телевидения или кино, которые он мог воспроизвести в любом размере или цвете в качестве элемента на холсте. Раушенберг использовал эти элементы так, чтобы отразить наше восприятие масс-медиа. Каждый день они бомбардируют нас изображениями, большинство из которых мы игнорируем, но некоторые из них (сознательно или подсознательно) задерживаются в памяти, поскольку соотносятся с определенным личным опытом. Картины Раушенберга были призваны зафиксировать этот визуальный информационный «шум» в рамках отдельно взятой картины.

Если существовал художник, олицетворявший собой все направление поп-арта, то это, безусловно, был Энди Уорхол. Он, если можно так сказать, стал лицом американской поп-культуры и возвел ее образы в статус музейного искусства. Уорхол использовал второсортные изображения звезд и потребительских продуктов, которые, по его мнению, обладали некой «внутренней банальностью», делавшей их более интересными. Художник был по-настоящему очарован этой банальностью, которую запечатлел в целой серии сюжетов, начиная от портретов знаменитостей и заканчивая банками супа. Был ли это «Томатный суп «Кэмпбелл», «Портрет Лиз Тейлор», «Автокатастрофа» или «Электрический стул», подход Уорхола всегда был одинаков. Он говорил: «Я думаю, что все картины должны быть одинакового размера и цвета, чтобы они были взаимозаменяемыми, и чтобы никто не думал, что его картина лучше или хуже других».

Как вырос из творчества Сезанна, так творчество Энди Уорхола опиралось на «готовые вещи» Марселя Дюшана. Уорхол был настоящим дадаистом по духу — своего рода «агентом-провокатором». Его многочисленные заявления об искусстве были нарочито загадочными, он никогда не делал никаких разъяснений, заставляя своих слушателей теряться в догадках: «Я предпочитаю оставаться таинственным. Я не люблю говорить о своем прошлом и каждый раз придумываю что-нибудь новое, когда меня о нем спрашивают». Уклончивая позиция Уорхола была его стратегией, которая помогала ему рекламировать себя. Он культивировал собственный образ в качестве бизнес-модели, неотделимой от его творчества. Он говорил: «Я начинал, как коммерческий художник, и хочу закончить в качестве художника-бизнесмена. Быть успешным в бизнесе — самый захватывающий вид искусства».

Рой Лихтенштейн изобрел свое собственное направление в рамках поп-арта, основанное на визуальных образах массовой коммуникации — журналах с комиксами. Это был стиль с жестко фиксированным форматом: черные рамки, яркие чистые цвета и оттенки, созданные с помощью точек «Бен-Дэй».

Свои ранние работы Лихтенштейн называл «экспрессионистским кубизмом ковбоев и индейцев». Художник быстро утомился от избытка «экспрессионистских чувств» и бросил вызов этой угасающей традиции картиной «Смотри, Микки» (1961), скопированной с обертки жевательной резинки. Его работы, основанные на комиксах, поначалу шокировали, но, как и в случае со многими поп-художниками, были довольно быстро благосклонно приняты галереями и коллекционерами. Лихтенштейн говорил: «Было очень сложно написать картину настолько отвратительную, что никто не захотел бы повесить ее к себе на стену. В конце концов, было приемлемо вешать на стену тряпку, забрызганную краской, все к этому привыкли. Единственным, что все ненавидели, было коммерческое искусство, но, очевидно, и его они ненавидели недостаточно сильно».

Бескомпромиссный коммерческий стиль картин Лихтенштейна стал своеобразным антидотом к бессвязным всплескам позднего абстрактного экспрессионизма, но при этом он не был искусством протеста в чистом виде. «Я не думаю, что поп-арт мог бы существовать, если бы раньше не существовал , но при этом я не думаю, что поп-арт и дадаизм — это одно и то же. Я не смотрю на свои картины, как на анти-искусство, или как на что-то, отличающееся от традиционной живописи со времен Возрождения». Несмотря на то, что в стиле Лихтенштейна присутствуют элементы иронии и юмора, его работы остаются в рамках традиций в использовании линий, форм, оттенков и цветов как композиционных элементов. Дисциплинированность в создании его работ скорее интеллектуального характера, не оставляющая места импульсивности и эмоциональности.

Клас Олденбург с самого начала своей художественной карьеры тяготел к скульптуре. В начале 60-х он участвовал во множестве «хеппенингов» — спонтанных, импровизированных художественных событиях, в которых опыт участников был гораздо важнее конечного продукта — некий вид искусства, выросший из культуры потребления.

Олденбург черпал вдохновение в образах потребительских товаров. В 1961 году он открыл свой «Магазин», в котором продавал гипсовые копии фаст-фуда и различных продуктов. Запасы «товаров» он пополнял в своей студии, которая находилась в задней части магазина.

Работы Олденбурга полны иронии и противоречий: он делал твердые предметы вроде умывальника из мягкого расплывающегося винила, в то время как мягкие объекты, например, гамбургеры — из твердого раскрашенного гипса. Кроме того, они играет с размерами предметов, воссоздавая небольшие объекты вроде ложки и вишни в архитектурных масштабах. Он говорил: «Мне нравится брать сюжет и полностью лишать его присущей ему функции». Произвольно меняя масштаб, размер и другие характеристики объектов, Олденбург таким образом меняет сам их смысл и заставляет зрителя усомниться и пересмотреть свое к ним отношение. Его крупномасштабные работы, размещенные в общественных местах, приобретают мощные сюрреалистические качества. Они заставляют зрителя почувствовать себя Гулливером в Бробдингнеге.

Заглавная иллюстрация: Рой Лихтенштейн. Плачущая девушка, 1963Источники фото: jsimsmaker.wordpress.com, jolienfagard.wordpress.comАвтор: Евгения Сидельникова

artchive.ru

Поп-арт - это... Что такое Поп-арт?

Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956) — одна из самых первых работ поп-арта

Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

  • изменяются масштаб и материал;
  • обнажается приём или технический метод;
  • выявляются информационные помехи и др.

История

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926—1990). В 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом»[1].

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блек, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 1033 дня].

Поп-арт в США

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол.

Критика

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ.)русск. из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту[2].

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Куниц (англ.)русск. также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс»[3].

Представители поп-арта

«Печать» Олденбурга в Кливленде

Цитаты

Поп-арт — популярный, мимолётный, остроумный, быстрозабываемый, сексуальный, молодой.

— Ричард Гамильтон

Поп — это любовь, так как поп признаёт всё… Поп подобен разрыву бомбы. Это американская мечта, оптимистичная, щедрая и наивная.

— Роберт Индиана

См. также

Марио Амайя (англ.)

Стиль поп-арт в дизайне интерьера

Примечания

  1. ↑ Lawrence Alloway: Die Entdeckung von Pop in England, in: Lucy R. Lippard. Pop Art. München, 1968. S. 27
  2. ↑ Хоннеф, Клаус. Поп-арт / Под ред. Уты Гросеник. — Москва: Taschen / «Арт-родник», 2005. — С. 12—13. — (Стили, течения и направления в искусстве). — ISBN 5-9561-0142-3
  3. ↑ Там же. С. 13.

dic.academic.ru

Художники по направлению: Поп-Арт - WikiArt.org

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира. Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст: Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ. Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 2704 дня].

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту. Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс». Марио Амайя (англ.)

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

www.wikiart.org

Что такое pop art и как его распознать

Поп-арт (англ. Pop art) означает популярное и доступное искусство. Оно понятно большинству людей, его легко узнать и объяснить. Это одно их крупнейших движений в искусстве ХХ века. Поп-арт зародился в Великобритании и СШАв 1950-е годы. Поп-арт появился на свет как реакция на совершенно другое направление современного искусства – абстрактный экспрессионизм.

Чтобы понять, что такое поп арт, нужно начать с другого направления в искусстве - абстрактный экспрессионизм. В нем художник освобождает разум от законов логики и выражает свой внутренний мир на холсте, как он “видит” и “чувствует”. Брррр, звучит непросто! А на деле все еще сложнее. К примеру сможете ли вы понять что нарисовано на картине лидера абстрактных экспрессионистов Джексона Поллока? Картина называется «Ключ», не огорчайтесь если вы ничего в ней не поняли, вспомните, что художник абстракционист выражает свои чувства. И неподготовленный человек не поймёт, где тут ключ, а где замок, а если и поймёт, то только с подсказками опытного искусствоведа.

Такая же проблема возникла в 50-х годах ХХ века, несмотря на огромную популярность, не все понимали работы художников абстрактных экспрессионистов. Чтобы оценить их по достоинству, человек долженуже разбираться в искусстве. Что сделало это направление искусства доступным не для всех, а для «избранных». Поп-арт стал своего рода реакцией, противопоставлением абстрактному экспрессионизму. Его девизом стала идея: возвращение к реальности, а не фантазия художника. Источником вдохновения стали реклама, журналы, упаковки продуктов питания, фотография, телевидение, кумиры, стереотипы, кино, супермаркеты, комиксы – в общем всё, что встречается в повседневной жизни большинства обычных людей.

Вот несколько представителей поп-арт-культуры и их работы.

Рой Лихтенштейн «Смотри, Микки», 1961 г.

Рой Лихтенштейн «Спящая девушка», 1964 г.

Художник взял за основу кадр из серии романтических комиксов № 105, опубликованных DC comics в 1964 годов.

Энди Уорхол «Банка с супом Кэмпбелл», 1962 г.

«Я его [суп «Кэмпбелл»] просто пил. Каждый день я ел на обед одно и то же, лет двадцать, наверное, одно и то же, каждый божий день» Энди Уорхол

Джаспер Джонс «Флаг» 1954-1955 г.

Наиболее известная работа художника, которую он нарисовал после сна об американском флаге.

oyla.xyz


Смотрите также